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Chisciotte

Spazio Teatro 89 – Milano – 5 settembre 2018
Musica sospesa
MI-TO Settembre Musica 2018

Georg Philipp Telemann
Concerto in la maggiore per flauto traversiere, violino, violoncello, archi e continuo TWV 53:A2
Concerto in sol maggiore per viola, archi e continuo TWV 51:G9
Suite in sol maggiore per archi e continuo TWV 55:G10 “Burlesque de Quixotte”

La Mole Armonica
Ensemble dell’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai
Fiorella Andriani, flauto traversiere
Lorenzo Brufatto, Antonio Bassi, Carola Zosi, Pietro Bernardin, Paolo Lambardi, Marcello Miramonti, violini
Agostino Mattioni, Davide Ortalli, viole
Fabio Storino, violoncello
Francesco Platoni, violone
Maurizio Fornero, cembalo

Uno dei musicisti più prolifici e geniali, che nella sua lunga vita (1681-1767) dal Barocco pervenne al Classicismo, fu amico fraterno di Bach e di Händel, spaziò tra i generi musicali più diversi.
Il concerto che Settembre Musica 2018 gli ha dedicato ha offerto un piccolo saggio dell’opera di Telemann, con due concerti per ensemble barocco e soprattutto con la Suite del Don Chisciotte.
Personaggio archetipo del primo romanzo europeo, El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha può ben ripetere con Schopenhauer che il mondo è una mia rappresentazione. Locande che diventano castelli, greggi trasformate in eserciti, mulini a vento in giganti, concretissimi lestofanti in magici incantatori, la realtà intera in un sogno d’amore, d’onore, di luce.
Qualche decennio dopo Cervantes, Descartes parlerà di un ‘genio maligno’ che può trasformare l’illusione in realtà e l’inganno in mondo. Se nel Quijote e nelle Meditazioni metafisiche l’inquietudine del vero è risolta nella oggettività garantita da Dio e dalla ragione, la questione attraversa ogni giorno il mondo virtuale e finto nel quale siamo tutti immersi.
Chisciotte «era alquanto curioso e sempre lo assillava il desiderio di saper cose nuove» (Don Chisciotte della Mancha, trad. di Letizia Falzone, Garzanti 1979, p. 616), una volontà filosofica che lo conduce a comprendere la teatrale ironia del mondo e a farsene protagonista: «Ebbene lo stesso -disse Don Chisciotte- accade nella commedia e nella vita di questo mondo, dove alcuni fanno gli imperatori, altri i pontefici, insomma tutte quante le parti che possono introdursi in commedia; ma, arrivati alla fine, cioè quando la vita termina, la morte toglie a tutti le vesti che li differenziavano, e restano uguali nella tomba» (Ivi, pp. 530-531). Alla risposta di Sancho, che rileva come non siano nuove le parole che ha ascoltato dal suo signore ma siano piuttosto diffuse, così come il paragone degli umani con i pezzi degli scacchi -che «terminato il gioco si mescolano, si uniscono e si confondono tutti e vanno a finire in una borsa, che è come la vita che va  a finire nella sepoltura»- il Cavaliere osserva che il suo scudiero va «diventando meno sciocco e più saggio». L’ulteriore risposta di Sancho è sincera: «Certo, un po’ della saggezza della signoria vostra mi si deve pur attaccare» (Ivi, p. 531).
Si attacca anche a noi, lettori di quel capolavoro e ascoltatori della versione musicale che ne ha dato Telemann, dalla quale propongo il secondo movimento, Le Reveil de Quixotte, nella esecuzione della Elbipolis Barockorchester Hamburg.

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Dioniso in Prussia

Basilica di Santa Maria della Passione – Milano – 25 giugno 2018
Sonar in ottava

Musiche di Vivaldi, Bach, Goldberg
Milano artemusica 2018
Accademia dell’Annunciata
Mario Brunello, violoncello piccolo
Giuliano Carmignola, violino
Riccardo Doni, clavicembalo e direzione

Mario Brunello ha suonato un ‘violoncello piccolo’, strumento assai amato da Bach ma nel Settecento caduto in disuso. Il programma della serata è stato classicamente barocco. E però vorrei far ascoltare il talento poliedrico di Brunello attraverso una composizione tratta da Odusia (2008), nella quale il musicista ha assemblato suoni e colori del Mediterraneo. Peste è il secondo brano di «Spasimo», opera di Giovanni Sollima che da Palermo si allarga al mondo.
I ritmi tesi, forti, dolenti e danzanti sono eco del grande dio mediterraneo, Dioniso. La cui potenza è arrivata sino alle pianure prussiane, come dimostrano la musica di Bach e la filosofia di Nietzsche.
L’odissea di questo dio è sempre viva.

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Gadda

Carlo Emilio Gadda
La cognizione del dolore
 (1938-1941)
Garzanti, 1994
Pagine 213

Il romanzo incompiuto di Gadda è un itinerario tragico e grottesco nelle tenebre. In esso nulla succede se non il finale assassinio. Per il resto è una descrizione della vita nelle ville, villette, villoni del Serruchòn in un improbabile Sudamerica che è la Brianza. Una descrizione in particolare della vita del marchese Gonzalo Pirobutirro e della sua vecchia madre. In questi due personaggi si concentra, in modo diverso e profondo,  l’innocenza e il dolore del mondo.
Gonzalo legge Platone e vorrebbe vivere di solitudine e di silenzio. La madre, invece, -figura di perenne lutto dopo la morte in guerra dell’altro figlio- gli riempie la vita e la villa di contadini e donnette tanto puzzolenti quanto rapaci. Il conflitto è fra una consapevolezza del mondo lucida sino alla disperazione -«egli era un uomo […] di criterio piuttosto forte e, direi, temperato. Nessuna illusione» (pag. 168)- e una bontà ancor più disperata, complice effettiva dei malvagi e degli sciocchi, permeata di un cristianesimo sin troppo facile, troppo condiscendente, vile.
Nel segno di Manzoni -e certo anche molto al di là di lui- da tutto il romanzo si sprigiona una forza etica e antropologica che rapisce. Un rigore morale sconosciuto a un paese facile e cattolico, un libro che addita senza pietà il cuore della corruzione, il cattivo gusto, la mala educazione: Gonzalo «non aveva nessun genio per l’arrabattarsi e il tirare a campare E c’era, per lui, il problema del male» (45); «Aveva, della legge, un concetto sui generis […] consustanziato nell’essere, biologicamente ereditario» (88).
Lo storicismo che tutto assolve, la fiducia ebete in un progresso senza fine, il culto del meglio identificato con ciò che è più nuovo e vincente, gli sono del pari estranei. Come estranea a Gadda è una modernità che coniugando perdono cristiano, giustificazionismi sociologici, alibi individuali si mostra per ciò che è: un dispositivo di ferocia nei confronti dei puri, di coloro che proiettano il loro candore sull’intera umanità. Sbagliano, certo. Ma lo fanno con  passione per la giustizia, la quale è anche consapevolezza «della scemenza del mondo o della bamboccesca inanità della cosiddetta storia, che meglio potrebbe chiamarsi una farsa da commedianti nati cretini e diplomati somari» (Appendice, p. 199).
Gadda sa che il Tempo è persuasore di rinunce e divoratore di speranza, che sofferenza e tenebra avvolgono le cose, gli uomini, il vivente nella corsa magnifica e insensata degli evi. Ma -come ogni uomo degno di tal nome- vuole conoscere il dolore, averne cognizione. Nell’ironia parossistica, nel grottesco di Gadda riemerge la Gnosi profonda, il disprezzo della folla e dell’umano, l’orrore e l’ambiguo fascino della materia, del corpo. L’umanità, «questo mare senza requie, fuori, sciabordava contro l’approdo di demenza, si abbatteva alle dementi riviere offrendo la sua perenne schiuma, ribevendosi la sua turpe risacca» (131). Uomini e donne, furbi e sciocchi, ragazzi e vecchie «venuti fuori anche loro dall’Arca bastarda delle generazioni» (132) sono la folla turpe e feroce che con la sua sola esistenza distrugge il poco di bellezza delle cose. Nell’evidenza dell’arte, nell’efficacia della parola letteraria, splende la becera assurdità di una democrazia cieca, incapace di percepire la differenza fra il lettore di Platone e il peone furbastro, e quindi prodiga nell’offrire a entrambi un eguale diritto di voto (p. 200 ma per intero la straordinaria Appendice: L’Editore chiede venia del recupero chiamando in causa l’Autore).
La pietà di Gadda è profonda e rivolta agli onesti, al «ragazzo vivo e normale» al quale una concezione insensata della solidarietà preferisce i «più snaturati delinquenti» (201), è rivolta a chi chiede a se stesso rigore, è rivolta ai più forti, ai puri, che sempre bisognerà difendere dai più deboli quando i deboli -come sempre- sono legione.
La poesia di questo romanzo canta la gloria di un mondo barocco ma solo perché il grottesco e il barocco risiedono già nelle cose: «Quindi assai vero che il luogo comune che quasi imputa a Gadda il suo esser barocco potrebbe commutarsi nel più ragionevole e più pacato asserto ‘barocco è il mondo, e il G. ne ha percepito e ritratto la baroccaggine’» (Appendice, p. 198).
Emblematica -nel suo fulgore, nel suo dolore- è questa pagina: 

«Camminava tra i vivi. Andava i cammini degli uomini. Il primo suo figlio […] in una lunga e immedicabile oscurazione di tutto l’essere, nella fatica della mente, e dei visceri dischiusi poi al disdoro lento dei parti, nello scherno dei negoziatori sagaci e dei mercanti, sotto la strizione dei doveri ch’essi impongono, così nobilmente solleciti delle comuni fortune, alla pena e alla miseria degli onesti. Ed era ora il figlio: il solo. Andava le strade arse lungo il fuggire degli olmi, dopo la polvere verso le sere ed i treni. Il suo figlio primo. […] Il suo figlio: Gonzalo. A Gonzalo, no, no!, non erano stati tributati i funebri onori delle ombre; la madre inorridiva al ricordo: via, via!, dall’inane funerale le nenie, i pianti turpi, le querimonie: ceri, per lui, non eran scemati d’altezza tra i piloni della nave fredda e le arche dei secoli-tenebra. Quando il canto d’abisso, tra i ceri, chiama i sacrificati, perché scendano, scendano, dentro il fasto verminoso dell’eternità» (116). 

L’unicità di Gadda, forse il maggiore insieme a Elsa Morante dei narratori italiani del Novecento, consiste in tutto questo e anche nella sua assenza di retorica, in un Paese e in una letteratura che troppo la conoscono. Nessun romanticismo né estetico né esistenziale. L’espressionismo è indice anche di questo rifiuto di un io eccessivo e narciso al quale Gadda sostituisce il rigore di una oggettività spietata, barocca.

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Di Gadda ho parlato qui a proposito di altri suoi romanzi e racconti:

L’Adalgisa. Disegni milanesi (5.12 2008)

Accoppiamenti giudiziosi (7.6.2009)

Eros e Priapo: da furore a cenere (2.5.2014)

Verso la Certosa (13.10.2014)

Le bizze del capitano in congedo e altri racconti (30.7.2015)

 

Barocco / Jazz

Strike the Viol
Henry Purcell (1694)
in «Music for a while. Improvisations on Purcell»  (2014)
Esecuzione dell’ensemble L’Arpeggiata diretto da Christina Pluhar
Raquel Andueza, soprano
Gianluigi Trovesi, clarinetto

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«Music for a while / shall all your cares beguile» affermano alcuni versi musicati da Henry Purcell. E davvero la musica è una delle massime consolazioni e gioie della vita umana. L’arte di Purcell ha ispirato diverse modalità d’esecuzione e molteplici forme espressive. Tra le più intriganti interpretazioni ci sono quelle dell’ensemble L’Arpeggiata fondato e diretto dalla musicista austriaca Christina Pluhar. Un meraviglioso esempio è l’album dal quale traggo il brano dal titolo Strike the Viol, scritto da Nahum Tate e musicato da Purcell nel 1694 (numero z323/5).
Il testo è un invito a gustare l’armonia e sorriderne:
«Strike the Viol, touch the Lute;
Wake the Harp, inspire the Flute:
Sing your Patronesse’s Praise,
Sing, in cheerful and harmonious Lays».
L’interpretazione contamina barocco e jazz, dando ritmo e improvvisazione a uno sguardo limpido sul mondo.

Christina Pluhar racconta in questo testo la perennità della musica di Purcell:
Henry Purcell in the Twentieth & Twenty-first Centuries
Just how modern Purcell’s harmonic language is, and how timeless his use of ground bass, is no secret. Today’s pop, rock and jazz musicians and film-makers have found constant inspiration in his musical inventions.
Pete Townshend of The Who declared in 2009 that Purcell was a strong influence on the band’s music of the sixties and seventies – echoes of Purcell’s harmonic language feature notably in ‘I Can See for Miles’, ‘Pinball Wizard’, and ‘Won’t Get Fooled Again’.
’What power art thou’, the song of the Cold Genius in King Arthur, became one of the show pieces of the cult New Wave singer Klaus Nomi, who recorded it as ‘Cold Song’ in 1981. Purcell originally wrote the piece for a bass, but since Nomi’s interpretation a number of counter tenors have taken it into their repertoire. In 2009 the English singer-songwriter Sting included ‘Cold Song’ in his album If on a Winter’s Night; in 2013 the actress and singer Arielle Dombasle added a beat to it and performed it on video naked in a coffin.
Purcell has often made appearances in film scores. The composer Wendy Carlos adapted the march from the Music for the Funeral of Queen Mary for synthesiser in Stanley Kubrick’s A Clock work Orange (1971). Oliver Hirschbiegel’s Downfall (2004) uses Dido’s lament ‘When I am laid in earth’. The soundtrack of Joe Wright’s Pride and Prejudice (2005) includes a piece entitled ‘A Postcard to Henry Purcell’ in which Dario Maria nelli makes use of Purcell’s Rondeau from Abdelazar. Benjamin Britten’s variations on the same theme in his Young Person’s Guide tothe Orchestra feature in Wes Craven’s Moonrise Kingdom (2012).
In 2003 we invited the great Italian jazz clarinet tist Gianluigi Trovesi to appear on our album All’Improvviso and improvise on Baroque bassi ostinati from seventeenth-century Italy. At that time we deliberately refrained from altering the original harmonies of these ostinato basses (or ‘grounds’ as they were known in England). It was only the melodic idiom of the jazz clarinettist, with his subtle timing, that differed from ‘our’ seventeenth-century musical language.
On Music for a while, however, we wished to underline the extraordinary modernity of Purcell’s music by constantly moving between the centuries in the harmonies and styles of the improvisations. This change of musical style is often accomplished within a single bar of a piece by means of subtle rhythmic and harmonic modifications to the ground. The bass lines and melodies composed by Purcell remain intact, but the improvisatory style of the instruments suddenly switches centuries. Our listeners find themselves in a timeless music room.
I am especially glad that the wonderful Gianluigi Trovesi has again enriched this new project with his superb artistry, ten years after All’Improvviso. I am also delighted that I was able to persuade my old school friend, the extraordinary jazz guitarist Wolfgang Muthspiel from Graz, to join our Purcell project.

Le voci umane

Chiesa di San Bernardino alle Monache – Milano – 7 agosto 2017

Les voix humaines
Jordi Savall
Viola da gamba a 7 corde di Barak Norman, 1697

Programma
Musiche di Abel, Bach, Schenck, Sainte-Colombe, De Machy, Marais
Propongo l’ascolto del Preludio in re minore di Karl Friedrich Abel (1723-1787)
Tristezza, tenerezza, tensione, dolce furia, canto, nostalgia, suono, distacco, luce.

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Pur

Chiesa di San Pietro in Gessate – Milano – 3 agosto 2017
Devozione barocca
Monteverdi e i suoi eredi

Ensemble La Venexiana
Raffaele Pe – controtenore

Programma
Annibale Gregori
Ruggiero à un soprano
Claudio Monteverdi
Pianto della Madonna
Dario Castello
Sonata terza a due, secondo libro
Francesco Cavalli
O quam suavis
Giovanni Battista Riccio
Canzon La Grileta
Giovanni Legrenzi
Angelorum ad convivia
Giovanni Battista Bassani
Tantum ergo (inedito)
Giovanni Antonio Pandolfi Mealli
Sonata “La Castella”
Benedetto Ferrari
Queste pungenti spine

Le chiese di Milano ascoltano ancora una volta i suoni malinconici e forti del Barocco.
Quattro strumentisti dell’ensemble La Venexiana (Andrea Inghisciano al cornetto, Efix Puleo al violino, Gabriele Palomba alla tiorba e Davide Pozzi all’organo) accompagnano e sostengono la voce di Raffaele Pe, il cui effetto -come sempre accade con un controtenore- è afferrante per la mescolanza di potenza maschile e di altezza femminile.
Il più coinvolgente dei brani eseguiti è stato Tantum ergo di Giovanni Battista Bassani, un inedito che ovviamente non possiedo. Propongo quindi l’ascolto del compositore che sta al centro del lavoro di questo ensemble. L’aria Pur ti miro che conclude L’incoronazione di Poppea (1642) di Claudio Monteverdi raccoglie in sé la gioia impossibile di ogni amore, il suo miraggio e insieme la sua sostanza, il ‘tuttavia’ che oltrepassa ogni disincanto.

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Pur ti Miro
pur ti godo
pur ti Miro
pur ti godo
pur ti stringo
pur t’annodo
più non peno più non moro
o mia vita
o mio tesoro…

Io son tua, Speme mia,
Tuo son io Dillo dí
Si mio ben, sì mio cor, mia vita, sì
l’idol mio, Speme mia,
tu sei pur Sì mio ben
Sì mio ben, sì mio cor, mia vita, sì
l’idol mio, tu sei pur.

Pur ti Miro
pur ti godo
pur ti Miro
pur ti godo
pur ti stringo
pur t’annodo
più non peno più non moro
o mia vita
o mio tesoro…

«Freude, Freude, über Freude!»

Chiesa di San Simpliciano – Milano
Le Cantate di Bach

Programma:
Johann Sebastian Bach:
Cantata “Jauchzet, frohlocket, auf, preiset die Tage” BWV 248/I
Cantata “Darzu ist erschienen der Sohn Gottes” BWV 40
Cantata “Sie werden aus Saba alle kommen” BWV 65
Cantata “Herrscher des Himmels, erhöre das Lallen” BWV 248/III

Amsterdam Baroque Orchestra & Choir
Ton Koopman  – direttore
Martha Bosch  – soprano
Maarten 
Engeltjes  – alto
Tilman 
Lichdi  – tenore
Klaus 
Mertens  – basso

«Gioia, gioia che cresca su gioia!» Questo l’urlo sacro che si ascolta in uno dei corali della Cantata BWV 40. Bach è capace di esprimere sia il più profondo dolore dell’anima sia il gaudio più redento. La sua musica sembra percorrere i sentieri della passione umana e del http://SocialTrusts.com distacco, toccare ogni sfumatura e trasformarla in canto. Nella bellezza di San Simpliciano, Ton Koopman e i suoi Amsterdam Baroque Orchestra & Choir hanno restituito per intero la potenza di questa luce.
Propongo l’ascolto del Coro iniziale della Cantata BWV 248/I:
Jauchzet, frohlocket, auf, preiset die Tage  (Esultate, giubilate, benedite i giorni)

«Una natura radiosa»

RUBENS e la nascita del Barocco
Milano – Palazzo Reale
A cura di Anna Lo Bianco
Sino al 26 febbraio 2017

Gli occhi scrutano da dentro il biondo dei capelli e il bianco incarnato della pelle. La testa di tre quarti s’allarga nella scura geometria del copricapo. Così ci guarda Rubens dal magnifico Autoritratto del 1623. Di quest’uomo, Jacob Burckhardt disse che fu un artista dalla «gigantesca fantasia» e «fu anche una natura radiosa», che dall’adesione all’etica stoica seppe trarre la saggezza dell’inevitabile e il riverbero della gioia.
Il suo Seneca morente è fatto di un corpo possente che abbandona con serena amarezza la vita. Quel Seneca che ritorna come nume nel busto che veglia sui Quattro filosofi, dei quali fa parte Giusto Lipsio, il più significativo esponente del neostoicismo. Rubens pensa che la terra del sapiente non sia questa o quella comunità ma la saggezza stessa, condivisa con chiunque se ne disseti. La sua azione di diplomatico presso le corti di Spagna e d’Inghilterra fu intessuta del suo amore per l’Europa, ritratta ne Le conseguenze della guerra come una donna in lutto e con le braccia alzate mentre Afrodite cerca inutilmente di fermare Ares. Un grido, un lutto, una lucidità meno note di Guernica ma altrettanto profonde a esprimere la tragedia dell’Europa devastata dalla Guerra dei Trent’AnniRubens_Los_horrores_de_la_guerra
Quella che è stata definita come la più grande novità in pittura dai tempi di Caravaggio si esprime nei corpi gloriosi che la riempiono. Gloriosi non nel senso paolino ma in quello greco. Sono infatti corpi ispirati a sculture classiche come il Torso del Belvedere, l’Ercole farnese, l’Afrodite al bagno del Museo Archeologico Nazionale di Napoli. Corpi intrisi di una carnalità piena, tesa, avvolgente e affascinante.
Rubens fa il contrario degli artisti e degli architetti che inglobarono i templi greci negli edifici cristiani (come si vede assai bene, ad esempio, nel Duomo di Siracusa). Rubens trasforma i santi cattolici in eroi e in divinità greche. Fa questo proprio perché è «una natura radiosa», la cui luce riempie ancora oggi lo spazio della pittura e si chiama Barocco.

Tripudio

Palazzo Biscari- Catania
Concerts avec plusieurs instruments
24 novembre 2016

Johann Sebastian Bach:
Concerto brandeburghese n. 6 (BWV 1051)
Concerto brandeburghese n. 3 (BWV 1048)
Concerto brandeburghese n. 5 (BWV 1050)
Orchestra del Festival internazionale del Val di Noto – Magie Barocche
VI edizione del Festival (2016)

I sei concerti composti da Bach nel 1721 per il Margravio del Brandeburgo costituiscono uno dei vertici dell’arte europea. È musica-tripudio, è un inno offerto alla gioia d’esserci, è soprattutto l’essenza  del Barocco: la perfezione formale unita alla gloria malinconica del mondo. Ascoltare questi brani nello spazio settecentesco di Palazzo Biscari significa avere anche negli occhi e non soltanto nell’udito la metafora barocca.
Rispetto all’esecuzione della quale parlai qui nel 2013 quella dell’Orchestra del Festival internazionale del Val di Noto mi è sembrata più monocorde e meno brillante nei toni, nei colori. E però ascoltare i Brandeburghesi è sempre pienezza. Non avendo a disposizione una registrazione dell’orchestra che ha eseguito questi tre concerti, propongo l’ascolto del primo movimento del Concerto n. 5 nell’esecuzione del Concert des Nations, diretto da Jordi Savall.

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